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IES ABASTOS.

Hª DEL ARTE.2ºBachillerato. Profesora: C. Sanfrancisco.
ESPAÑA: MANIERISMO. EL GRECO.
El Manierismo es el resultado de la aplicación hasta su último extremo de las reglas fijadas durante el Renacimiento. A resultas de este desarrollo se dio una vuelta más a un estilo que se estaba agotando dentro de los rígidos esquemas del canon. Así, en círculos independientes, como las cortes privadas de ciertos príncipes y algunos núcleos de intelectuales, se patrocinó un arte exagerado, críptico a veces, sólo apto para iniciados y paladares exquisitos, capaces de apreciar los significados ocultos de la violación y retorcimiento de las reglas pictóricas. Cortes como la de Rodolfo II en Praga, los círculos papales, la república veneciana... son algunos de los sofisticados reductos donde se refugió este arte anti-natural: Los personajes de estas obras sufren tremendas distorsiones en sus anatomías, que ven alargadas sus miembros o sus rostros, dispuestos en posturas retorcidas e imposibles en la realidad. Los colores no remiten a la naturaleza, sino que son extraños, fríos, artificiales, violentamente enfrentados entre sí, en vez de apoyarse en gamas. (El propio Miguel Ángel experimentó en sus últimas obras el placer de la trasgresión, desdibujando sus figuras o dejando inacabadas sus obras.) Los manieristas someten algunas de sus pinturas a complicados simbolismos que aún no han sido descifrados. La orfebrería fue uno de los ámbitos más beneficiados por este complejo arte, que afectó tardíamente, pero de forma genial, a El Greco.

Recién llegado a una España donde ya se conocía el manierismo, El Greco resultaba pasado de moda y fracasó en la Corte, aunque Felipe II pagó sus cuadros a precio de oro. El Greco significa la sublimación de un estilo en un contexto que había superado ya el Manierismo y se adentraba en el Barroco de la Contrarreforma católica.


BIOGRAFÍA: Nació en 1541 en la isla de Creta, que en aquel momento era posesión de la Serenísima República de Venecia; los Theotokopoulos pertenecían con toda probabilidad a la colonia católica , Artísticamente parece probable que se formara en el taller de un pintor de iconos y pronto alcanzó una importante posición entre los pintores cretenses; decidió abandonar la isla y marchar a Venecia, donde realizará un trabajo de asimilación de la pintura renacentista al parecer en contacto con el taller de Tiziano, interesándose especialmente por el Manierismo

Se traslada a Roma donde existían más posibilidades de recibir buenos encargos. Doménikos empezaría a considerar su marcha a España: en primer lugar, por las posibilidades existentes para trabajar debido a la construcción del Monasterio de El Escorial; en segundo lugar es probable que don Luis de Castilla(hijo del deán de la Catedral de Toledo al que conoció en las tertulias de círculos artísticos romanos) invitara a su amigo a trasladarse a Toledo, donde podía encontrar también trabajo fácilmente. En Toledo, recibirá sus dos primeros encargos: el Expolio de Cristo y los retablos del convento de Santo Domingo el Antiguo.

El Greco estaba en Toledo de paso, teniendo en mente intentar triunfar de nuevo en Madrid. Ésta sería la razón por la que realiza una serie de obras para el rey Felipe II entre las que está el Martirio de San Mauricio. Dichas obras no fueron del agrado del rey católico por lo que Doménikos se instala definitivamente en Toledo, ciudad donde triunfará el resto de su vida.

En Toledo forma El Greco una familia y estableció su hogar, formó su próspero taller, dedicándose a la elaboración de cuadros, diseño de retablos y escultura; él se consideraba representante de un arte liberal frente los que consideraban la pintura como un oficio manual, polémica típica del Manierismo cuya prueba estaría en los pleitos que el pintor llevó a cabo a lo largo de toda su trayectoria pictórica.

Los precios cobrados por las obras que realizaba el taller eran elevados para lo que acostumbraban a pagar los españoles, lo que provocó numerosos litigios, como en los casos del Expolio, el Entierro del señor de Orgaz; la mayor parte de ese dinero que ganó Doménikos fue derrochada al llevar un fastuoso tren de vida.

Sus personajes se hacen cada vez más estilizados, en un estilo muy personal con figuras desproporcionadas, colores violentos y vibrantes, fuertes escorzos, que consigue calar profundamente en la mística sociedad toledana. Algunos especialistas han llegado a especular sobre una posible enfermedad visual como causante de esas deformaciones pero recientes estudios han demostrado que El Greco empleaba ese estilo porque era de su agrado y también del de su clientela. En Toledo fallecerá Doménikos el 7 de abril de 1614 a la edad de 73 años.



El reconocimiento histórico de su pintura:

Durante los siglos XVII y XVIII el pintor fue olvidado siendo redescubierto en el siglo XIX, surgiendo varios mitos sobre él: iniciador de la escuela española, precedente de Velázquez y pintor del misticismo español[

En 1907 publicó Cossío un libro sobre él que supuso un avance importante en el conocimiento del pintor: lo mostró como un pintor bizantino, formado en Italia, que en su estancia en España asimiló la cultura castellana, siendo él quien más profundamente la reflejó y convirtiéndose en el primero de los grandes pintores españoles. El libro de Cossío adquirió un gran prestigio y es el causante de la consideración general del Greco como interprete del misticismo español.

La fama de El Greco comenzó a principios del siglo XX con los primeros reconocimientos de organismos europeos y americanos, así como de las vanguardias artísticas: La idea del Greco, como precursor del arte moderno, fue especialmente desarrollada por el crítico alemán donde analizando la obra del cretense consideró que había similitudes con Cézanne, Manet, Renoir y Degas y también creyó ver en la obra del Greco que se anticipaban todas las invenciones del arte moderno.

En los últimos años de su carrera el artista pintó dos celebrados Paisajes de Toledo, aunque el género paisajístico no era muy frecuentado por los pintores españoles porque los clientes no los encargaban al considerar el paisaje un género de segundo orden y porque la Contrarreforma veía la contemplación de la naturaleza como algo herético y pagano. Posiblemente le mueve la idea de exaltar a la que había sido Ciudad Imperial antes de que Felipe II trasladara la capital a Madrid o la idea de recoger el ambiente de exaltación místico-religiosa por el que pasaba la ciudad en aquel momento. Resulta muy extraño encontrar un paisaje aislado en la pintura española del Renacimiento e incluso en la época barroca. Esto ha hecho que se le considere como el primer paisajista de la pintura española.

OBRAS.
LA TRINIDAD (ver foto libro395)

Autor:El Greco


 Fecha:1577/80
 Museo:Museo del Prado
 Características:300 x 179 cm.
 Material:Oleo sobre lienzo
 Estilo:

LOCALIZACIÓN: En Toledo se le encargaron los retablos de la iglesia de Santo Domingo el Antiguo nada más llegar; la Trinidad estaba colocada en la parte superior del retablo que decoraba el altar mayor.

TEMA: Recoge el momento en que Dios Padre acoge a Su Hijo muerto, escena está cargada de tensión. Este momento indica al católico que la muerte de Cristo ha cumplido su objetivo: redimir a la Humanidad.

ICONOGRAFÍA Y COMPOSICIÓN: La influencia más marcada en esta obra procede de Miguel Ángel en las figuras amplias y escultóricas; la composición parece, sin embargo, tomada de Durero. Pero también pone el maestro algo de su parte: el dramatismo de las figuras de los ángeles llorosos, el precioso escorzo del cuerpo de Jesús. El canon de belleza clásico, donde la cabeza es la séptima parte del cuerpo, es aumentado por el cretense, siendo sus figuras muy alargadas. Aquí lo apreciamos en el enorme cuerpo de Cristo y en el ángel, que está de espaldas introduciéndonos en la escena, un recurso muy manierista. El eje de simetría en el que siempre se colocan los tres miembros de la Trinidad está roto al salirse de él la cabeza de Dios Padre, de modo que la composición se organiza a través de líneas zigzagueantes que se continúan en las piernas de Jesús.

COLOR: vibrante colorido, típico del Manierismo con esos naranjas, malvas y verdes amarillentos.

TÉCNICA: La pincelada empleada por el artista es algo suelta, mientras que al final de su vida será una auténtica mancha, como en la Adoración de los pastores.


EL EXPOLIO (libro394)

Cronología: 1577-79

Técnica : Óleo

Soporte: Lienzo

Dimensiones: 285x173cm.

Localización: Cat de Toledo.

TEMA: El momento en que Cristo va a ser despojado de su manto al inicio de su Pasión.

COMPOSICIÓN: La escena se presenta vista de frente.El formato alargado del cuadro potencia el papel central de la figura de Cristo, protagonista del lienzo, en torno al cual gira toda la composición: El resto de los elementos se sitúan entorno a Él formando grupos que, en la parte baja desarrollan temas secundarios, como en el caso de las tres mujeres (las tres Marías) que cierran la composición a nuestra izad.( que constituyen una novedad en la iconografía del tema ya que no era habitual incluir mujeres) o el personaje que, formando un escorzo exagerado, horada el madero para la cruz del sacrificio. En la parte alta, los rostros y los personajes se apiñan alrededor de Jesús, formando una masa de grises y equilibrando armónicamente la composición: Cada personaje tiene correspondiente armónico en el otro lado (el soldado con armadura se corresponde con el de la cuerda, dos cabezas a ambos lados de Cristo, las mujeres y el que prepara la cruz).A destacr la mano del salvador en postura característica del pintor.

El paisaje apenas se aprecia, sólo un poco de tierra bajo los pies de Cristo o unas nubes sobre las cabezas: Al pintor le interesa Cristo, la ubicación no existe.

COLOR Y LUZ: Aquí el color sirve para resaltar la importancia de la figura central: La iluminación del rostro y el toque rojo del manto se contraponen con los grises del fondo y las sombrías caras de los personajes; los tonos son fríos. Destaca el toque moderno de reflejar la túnica en la armadura (mancha roja).la luz contribuye a crear una atmósfera irreal, aunque el cuadro presente una escena humana con detallismo realista (por ej. la armadura del s.XVI).



EL MARTIRIO DE SAN MAURICIO(y la legión tebana): (libro 394)

El fallecimiento del pintor que decoraba la capilla de El Escorial provocó la urgente demanda por parte de Felipe II de pintores que continuaran la decoración. Felipe II convocó un concurso para pintar el tema del martirio de San Mauricio y El Greco se presentó, pero no lo ganó. Su propuesta era demasiado moderna y atrevida para un rey cuyos gustos pictóricos eran muy clásicos y tradicionales. No obstante, el rey le pagó muy bien la obra y la guardó cuidadosamente (hoy se puede admirar en El Escorial)



LOCALIZACIÓN: Se instalaría en uno de los altares laterales dedicado al Martirio de San Mauricio y la Legión Tebana que mandaba: Considerado uno de los santos patronos en la lucha contra la herejía y debido a la existencia de reliquias en la iglesia, se decidió que su presencia era necesaria.

ESTILO: Manierismo.

TEMA: En el siglo III de nuestra era, San Mauricio era el jefe de una legión egipcia del ejército romano en la que todos profesaban el cristianismo. Durante su estancia en las Galias recibieron la orden del emperador Maximiliano de realizar una serie de sacrificios a los dioses romanos. Al negarse, la legión que mandaba el santo fue ejecutada, siendo martirizados sus 6.666 miembros. Doménikos quiso aprovechar la oportunidad que se le brindaba para mezclar una historia primitiva del Cristianismo -quizá ficticia- con acontecimientos contemporáneos para él.

ICONOGRAFÍA Y COMPOSICIÓN:

Parte Inferior: La figura de San Mauricio -vestida con una coraza azulada y barbado- aparece en la zona derecha del lienzo, en primer plano. Está acompañado de sus capitanes, en el momento de decidir si efectúan el sacrificio a los dioses paganos. A su izquierda contemplamos a San Exuperio con el estandarte rojo. Junto a ellos se encuentra un hombre con barba, vestido con túnica, que ha sido identificado con Santiago el Menor, quien convirtió a toda la legión al Cristianismo. Entre esos militares destacan dos, situados entre el santo y la figura que porta el estandarte: El de edad más avanzada es el Duque Enmanuel Filiberto de Saboya, comandante de las tropas españolas en San Quintín y Gran Maestre de la Orden Militar de San Mauricio. A su derecha, y más cerca del santo, se sitúa Alejandro Farnesio, duque de Parma, quien estaba en aquellos momentos luchando en los Países Bajos contra los holandeses. En los planos del fondo, donde se desarrolla el martirio, encontramos el retrato de Don Juan de Austria, el hijo natural de Carlos V y vencedor de la batalla de Lepanto. Todas las figuras visten uniforme militar del siglo XVI, uniendo ambos hechos: la lucha de los generales españoles contra la herejía y el paganismo, igual que hizo San Mauricio. En un segundo plano contemplamos el episodio más importante: el martirio. Los legionarios se sitúan en fila, vestidos con túnicas semitransparentes o desnudos, que esperan el turno para ser ejecutados. El verdugo se sitúa de espaldas, sobre una roca, y junto a él vemos de nuevo a San Mauricio, reconfortando a sus hombres y agradeciendo su decisión. Un hombre degollado refuerza la idea del martirio, exhibiendo un fuerte escorzo.

La parte superior del lienzo se completa con un Rompimiento de Gloria formado por ángeles músicos, mientras otros portan palmas y coronas de triunfo. Estas figuras tan escorzadas se contraponen a la quietud de la zona principal. La escena se desarrolla en un pedregal, olvidándose por completo Doménikos de situar el episodio en un lugar más adecuado ya que él está interesado por la espiritualidad de su escena. Sin embargo, el hecho de relegar el martirio a un segundo plano y colocar la decisión más cercana al espectador provocó el rechazo de Felipe II, quien adujo la falta de devoción que a su entender inspiraban las figuras; por ello, se sustituyó el cuadro por otro de la misma temática del pintor italiano Rómulo Cincinnato.

Doménikos se esforzó por hacer una obra sofisticada, recurriendo al estilo manierista como punto de partida. Así surgen las figuras de espaldas, los escorzos o las diagonales que se observan en la escena. Las figuras están claramente inspiradas en Miguel Ángel, con un canon escultórico que deja ver la anatomía bajo las corazas. Estas figuras tienen la cabeza pequeña y las piernas cortas en proporción con su amplio busto.

COLOR: Los colores son ya casi tradicionales en El Greco, el amarillo, azul, verde o rojo, inspirados en la Escuela veneciana. San Mauricio porta el rojo del martirio y el azul de la eternidad.

LUZ: Sobre esos colores resbala la luz, contrastando las zonas iluminadas con otras en semipenumbra. La luz será fundamental ya que gracias a los focos de iluminación, el artista destaca lo que le interesa, existiendo un claro núcleo de luz que ilumina el martirio y que procedente del Rompimiento de Gloria de la parte superior. En cuestión de cinco años, Doménikos se ha enfrentado a los dos clientes españoles más importantes: el rey y la catedral de Toledo. Ahora buscará su clientela entre los nobles y religiosos toledanos quienes comprenderán y estimarán su nuevo arte.
EL CABALLERO DE LA MANO EN EL PECHO . Museo del Prado

Óleo sobre lienzo pintado en fecha desconocida, durante su primera etapa española. Típico retrato de escuela española: retrato de busto, con las ropas de terciopelo oscuro que se estilaban en las Corte, adornado tan sólo por una cadena fina con una medalla, con el puño y la gola almidonada de encaje; el fondo característico de la época, neutro, sin alusiones espaciales a mobiliario o arquitectura. En este tipo de retratos, encargados por personajes importantes de la Corte, o altos funcionarios, era frecuente que apareciera algún símbolo de la dignidad del retratado.Igualmente la persona retratada es de identidad desconocida, ¿ Juan de Silva,[] marqués de Montemayor y notario mayor de Toledo.? ¿ Miguel de Cervantes Saavedra. ?

Tema: Es uno de los retratos españoles más conocidos en el mundo. Un caballero con la mano en el pecho mira al espectador como si hiciese un pacto con él. La postura de la mano parece un gesto de juramento.Un hidalgo del siglo XVI, retratado de una manera realista y delicada.

Iconografía: En su tiempo se convirtió en la representación clásica y honorable del español del Siglo de Oro. La elegancia y sutileza del pintor se aprecia en la única distinción que concede al personaje: el rico pomo de la espada española dorada que presenta en primer término, así como el gesto de la mano sobre el pecho, que alude al rito de la "Fe del caballero", una dignidad otorgada sólo a ciertos personajes destacados y el medallón con cadena que lleva. [

Vestido de forma fina y elegante, muestra una expresión grave y melancólica; su rostro es serio y severo, mostrándose distante y poco comunicativo.El Caballero aparece ante el espectador como un miembro de la aristocracia con los hombros algo caídos, estando el derecho ligeramente inclinado para sujetar la espada.La mano derecha sobre el pecho, con los dedos anular y corazón juntos lo que produce un efecto estético de delicadeza y sensibilidad.



La luz resalta los atributos de nobleza: puños y golilla de encaje blanco, empuñadura dorada de orfebrería y cadena con medallón.El elemento más destacado es la luz, que se concentra en el rostro y la mano ayudando a la concreción de la figura.

LAOCOONTE Y SUS HIJOS: (ver libro 394)

Libre interpretación del grupo escultórico Laocoonte y sus hijos descubierto en 1506 en unas excavaciones arqueológicas en Roma. El mito troyano se reinterpreta de forma casi surrealista en las cercanías de Toledo con la luz esculpiendo la desnudez de cuerpos enigmáticos.



El TEMA: Los griegos enfrentados a troyanos dejan un caballo de madera en la playa y los troyanos lo contemplan pensando que es un signo de paz por parte griega que ha sido dejado para que Neptuno les favorezca con vientos marinos propicios; Laocoonte desconfía y sospecha de traición, arrojando un dardo al caballo que produce un sonido hueco, por lo que aconseja quemarlo. Los troyanos le proponen que ofrezca en calidad de sacerdote de Neptuno sacrificios que agraden al dios en gratitud por la partida de los griegos.. Laocoonte acepta porque ve inútil prevenirlos y cuando se prepara
para inmolar un toro, dos serpientes salen del mar y se lanzan sobre los hijos del sacerdote, para ahogarlos. Laocoonte corre a salvarlos y muere. Todos pensaron que era un castigo a sus sospechas por impío y aceptaron el regalo. El caballo entra en Troya llevando la destrucción en su interior.

Sobre un fondo de hermoso paisaje, las figuras de Laocoonte y sus hijos se retuercen en su lucha contra las serpientes y el artista se sirve hábilmente de sus contorsiones para dotar a la obra de una composición admirable.



ENTIERRO CONDE DE ORGAZ: (ver libro 396)

Fecha: 1586-1588

Localización: Iglesia de santo Tomé (Toledo)

Datos técnicos: Óleo sobre tela, 4,80 x 3,60 m.

ORIGEN DEL CUADRO:


             El origen del cuadro hay que situarlo en el encargo que Andrés Nuñez de Madrid (Párroco de Santo Tomé) realiza a El Greco en 1586 para que pinte un lienzo que iba a ir situado en una capilla lateral de la citada iglesia parroquial.

Las razones de que este encargo se realizase en 1586 habría que buscarse el pleito que años atrás mantuvo el párroco Nuñez con los vecinos de Orgaz al negarse éstos a continuar beneficiando a la iglesia de Santo Tomé, tal y como lo había dejado escrito su señor antes de morir; este pleito es ganado por Nuñez, quien a partir de ese momento decide levantar una capilla sobre la tumba, encargar un epitafio al humanista Alvar Gómez de Castro con el fin de recordar de una manera más directa al fiel la necesidad de la caridad para lograr la salvación, y encargar de la misma forma un lienzo que rememorare el hecho milagroso y la lectura que se ha de extraer de él. El Greco por tanto tiene que representar una pintura conforme al contrato y encargo de Nuñez, origen más directo de la obra, pero además el pintor tiene otras fuentes como son la obra de Pedro de Alcocer o de Hierónymo Román de donde extraer elementos o inspirarse.       



TEMA: Ese cuadro tendría que representar el milagro que en 1323 ocurrió en aquella iglesia cuando se iba a enterrar a Gonzalo Ruiz de Toledo, señor de Orgaz: En ese momento bajan del cielo San Agustín y San Esteban y lo entierran ellos mismos con sus propias manos. Por lo tanto el cuadro ha de representar esta escena con el fin de informar al visitante el hecho extraordinario que ocurrió en ese lugar, a la vez que le recuerde que ciertas virtudes como la caridad o el rezo a los santos son razones de peso para poder alcanzar la vida eterna, motivo por otra parte de que se produjese el milagro.

ESTILO: Manierista de la pintura. Este estilo nace de la crisis, de una parte el ambiente de optimismo, equilibrio y confianza del Humanismo, se ve amenazado con los problemas económicos, políticos y religiosos que culminaron en el “Saco di Roma”.

Por otra parte, la presencia de grandes maestros en el Arte, parece cerrar a los más jóvenes las posibilidades de creación independiente, limitándolos a un papel de seguidores que pronto reinterpretarán habida cuenta de la libertad pictórica que han heredado de los grandes maestros, esto unido al nuevo interés arqueológico (descubrimiento de El Laoconte, de la Domus Aurea o de Las Bodas Aldobrantinas) y al proceso altamente intelectualizado con el que se quiere realizar las representaciones artísticas, sientan las bases del desarrollo de este nuevo estilo;podemos situar a El Greco como un pintor manierista influenciado por Miguel Ángel por un lado y por la escuela veneciana por otro, si bien él funde todas estas tendencias llegando a crear aun estilo personal y propio

ANÁLISIS FORMAL DE LA OBRA: Estas características del nuevo Arte que podemos observar en la obra son


LUZ- Luces de apariencia artificial: Fenómeno que indica la artificiosidad e intelectualidad que se aplica en la obra, está tomado de toda la tradición manierista en general por lo que no se puede hablar de una influencia de un pintor en concreto. En la obra por tanto podemos observar como la parte celestial tiene una luz diáfana que no emana de una fuente en concreto, o como en la parte terrenal parecen el cuerpo del señor de Orgaz y los santos más iluminados que el resto así como las caras de los personajes representados. Esta iluminación no pertenece a la observación natural, si hubiese sido así las antorchas que portan algunos individuos hubiesen modificado la luminosidad del cuadro creando unos contrastes entre  luces y sombras. El Greco por tanto utiliza este recurso  de una forma artificial que inquieta al espectador y le hace atraer la mirada hacia unas escenas determinadas.

ICONOGRAFÍA- El alargamiento de las figuras: Recurso ampliamente utilizado por el pintor en todos sus lienzos hasta tal punto que éste se ha tomado como característico de su obra. Este recurso lo tomará de Miguel Ángel tras su paso por Roma y en segundo lugar de Tintoretto y Parmigianino de la escuela Veneciana. Consiste en el alargamiento voluntario de las formas buscando en ello una belleza de las formas a través de la estilización de éstas, existe por tanto una inspiración goticista, pero también una intencionalidad de poner en cuestión unas reglas y modelos nacidos en el Alto Renacimiento y que a la altura del siglo XVI son considerados como caducos. Es por este motivo que los tratadistas se harán eco de la nueva situación argumentando que el cuerpo no se puede medir objetivamente, y ha de ser el ojo y no las reglas las que marquen la composición de una figura. El Greco conoce la obra de Miguel Ángel tras su estancia en Roma, conoce a los demás manieristas, y también sabemos que en su biblioteca se guardaban algunos tratados al respecto en donde anotó su conformidad con estos postulados. Así no es de extrañar la estilización de las figuras que aparece en la obra que comentamos.

  • Figuras cortadas: Es otro de los recursos manieristas utilizados en la pintura, algo impensable dentro del Renacimiento que postula la armonía, el equilibrio, la composición dentro de la obra, pero que el Manierismo al romper con las normas no tiene en cuenta, buscando así unos efectos mayores en el cuadro. Ejemplo de todo ello lo podemos encontrar en las figuras recortadas que aparecen en los laterales del lienzo. 

  • Figuras serpentinatas: Consiste en la elaboración de figuras retorcidas  que buscan extraños escorzos. Esta idea nace de Miguel Ángel que quiere con ello imprimir en la figura una expresión no alcanzada anteriormente, idea que pronto es aceptada y desarrollada por los manieristas. Ejemplo de ello lo podemos encontrar en la figura del ángel que conduce el alma del señor de Orgaz al cielo y en menor medida en la posición de otros ángeles de la escena celestial.

-Estudio anatómico de los cuerpos: Característica de influencia Miguelangelesca, que veía en los estudios y representación anatómicas de los cuerpos una forma de poder representar la belleza. Esta circunstancia la podemos observar en los desnudos que aparecen en la parte celestial de la obra.

Color- Predominio del color en la composición frente a la línea: la influencia de las obras del Manierismo Veneciano, verdaderas explosiones de color. Esta circunstancia la podemos observar en los colores vistosos y llamativos que se utilizan en su obra que llaman poderosamente la atención trasmitiendo una emoción al contemplador como puede ser las casullas de los santos, las caras recortadas en fondo negro de los personajes, la utilización de los blancos y en general el colorido de la parte celestial. El predominio del color alcanzará su impronta más alta en la representación del alma del difunto, en donde ésta queda resumida en unas pinceladas de color en donde ha desaparecido totalmente la línea. En definitiva podemos concluir que en la “lucha” que contemporáneamente a El Greco se da entre los pintores y tratadistas que defienden la importancia de la línea y los que postulan el color,(Miguel Ángel y toda la escuela manierista romana por un lado y por otro Tiziano y la escuela manierista Veneciana), El Greco tomará partido claro por éstos últimos, circunstancia  que no sólo podemos observar en su obra sino también en las anotaciones que el pintor realizó en los libros teóricos sobre pintura que conservaba en su biblioteca.

-Composición: Un cierto “Horro vacui” en la composición que trata de llenar todo el espacio pictórico. Ejemplo de ello lo podemos ver sobre todo en la parte celestial en donde aparecen un sin fin de personajes que llenan por completo la escena.

- El movimiento: Característica manierista que es ampliamente utilizada por los pintores de este estilo, nace de la importancia que Miguel Ángel le da en la representación de las figuras ya que el movimiento será una característica de la belleza. El Greco lo utilizará en muchas de sus obras, si bien en esta no sea algo característico a excepción de las aposturas de algunos ángeles que denotan  movimiento.

ANÁLISIS ICONOGRÁFICO DE LA OBRA: la intención del cuadro era pintar el milagro aludido anteriormente. Para ello el artista pintará el entierro tal y como se le ha mandado, pero también una visión divina del mundo celestial, donde irá el alma del difunto: En líneas generales podemos hablar de una composición en donde además de relatarnos un milagro, tal y como se le pide al pintor, éste, ayudado de las indicaciones de los clérigos, va más allá y nos presenta una visión beatífica del Cielo en todo su esplendor, dándonos así una lección teológica del mismo. Esto es, que las almas al morir se desprenden del cuerpo y se dirigen a la otra vida. Éstas serán juzgadas por Dios en la persona de su Hijo, determinando a quien se les abre el cielo o quienes son condenados para toda la eternidad. De la misma manera la Virgen y los ángeles conforme a sus distintas jerarquías, sirven de intermediarios, “ayudando” al alma a elevarse y poder integrase en el Cielo al lado de todas aquellas personas que a lo largo de la Historia se han hecho merecedoras de Él.

  En esta PARTE CELESTIAL (visión divina) se representa el cielo. Un cielo dominado por la figura central de Jesucristo Resucitado (vestiduras de blanco) que sentado en un trono juzga como rey del universo a todas las almas. En este sentido hay quien observa una relación entre este Cristo y las figuras de los pantocrátor medievales. Cristo como Señor del mundo ha de juzgar esta nueva alma del difunto que sube hacia él. Por eso con la mano derecha señala hacia San Pedro (portador de las llaves del cielo tal y como lo atestigua su atributo pictórico), indicándole que ha de abrir las puertas para esta alma que sube. Bajo la figura central aparece la Virgen María (vestida de rojo y azul como lo demanda la tradición; rojo porque es copartícipe de la Pasión de Cristo y azul como color de la esperanza en el cielo) María, está en disposición de acoger el alma que sube “ayudando” por medio de un gesto a que ese alma se eleve. Esta posición de la Virgen como intercesora ante su Hijo, en el papel de Madre será uno de los argumentos contrarreformistas más utilizados en el Barroco unos años después, ya que con el fin de contrarrestar las doctrinas protestantes, se hará hincapié en la función de quien recibe un culto de hiperdulía. A la izquierda de Cristo (derecha del cuadro) aparecen toda una serie de personajes que miran adorando a Dios. Entre ellos y reconocibles a través de sus atributos, cabe destacar en primer lugar a San Juan el Bautista, reconocible por su vestimenta de piel de camello, que quien por se “el primero entre los hijos nacidos de mujer” (como dice el Evangelio) se encuentra en un primer lugar. Junto a él dos mártires: San Pablo Apóstol (con la espada de su martirio) y Santiago el Mayor patrono de España, con indumentaria que asemeja la de un peregrino y con la concha. En segunda fila de este grupo aparece Santo Tomás (titular de la parroquia y reconocible por la escuadra de arquitecto) y el resto de los apóstoles al lado de Felipe II, lo cual no deja de ser un sorprendente lugar. En último lugar aparecen una serie de santos sin identificar que forman el coro celestial alrededor de la Figura de Cristo. Bajo ellos, en la esquina derecha de la parte celestial de la composición, sí se pueden identificar a María Magdalena (cabellos despeinados) y a San Sebastián con las saetas de su martirio, ambos santos con una devoción particular en el lugar.

En la parte izquierda del cuadro aparecen diversas figuras del Antiguo Testamento como el rey David con su arpa, Moisés con las Tablas de la Ley o Noé al lado de su arca. En definitiva toda una serie de personajes importantes a quienes se presupone un lugar destacado en la otra vida.

En la PARTE TERRENAL de la pintura, tal y como hemos indicado aparece el cuerpo inerte del noble difunto  que es recogido por San Agustín con su vestimenta de obispo y San Esteban, diacono de la Iglesia y primer mártir. En las casullas y estolas de ambos personajes decora El Greco algunos personajes bíblicos y otras escenas; ropajes por demás contemporáneos al autor del cuadro, pero no así a los de la época de las dos figuras retratadas.  A este entierro asisten anacrónicamente el párroco que encarga el cuadro que preside las exequias leyendo el ritual de los oficios y otros clérigos de su entorno. En la parte opuesta, un fraile franciscano, otro agustino y un fraile dominico.

En la fila del centro una serie de personajes contemporáneos de El Greco, y el mismo Greco que nos mira de frente, invitando a entrar al espectador en el misterio y milagro que está ocurriendo, de la misma manera que hace el niño del primer plano hijo de El Greco señalando con su dedo al personaje central.

NEXO DE UNIÓN: Entre la parte terrenal y la celestial aparece el alma del difunto que es ascendida ayudada por un ángel, personajes que también aparecen por toda la composición distribuyéndose conforme a la disposición en jerarquías propuesta por el mismo San Agustín. De esta forma los ángeles serían los más cercanos a los personajes vivos y por tanto más parecidos a los mortales, los serafines y querubines alrededor de los personajes espirituales, representados como pequeños amorcillos y finalmente tronos, potestades y poderes al lado de Cristo en Majestad, entidades sin forma, por lo que el pintor los detalla a base de colores difuminados que rodean la Figura de Jesús.

 




 

 


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